la teoría musical y los instrumentos utilizados en Japón eran provenientes de Corea, a su vez, los habían incorporado en china. Pero el refinamiento musical japonés alcanzó un nivel superior al chino. Instrumento favorito: el koto (citara sin trastes), de 7 tamaños, construidos con cañas de bambú, tenía desde 6 a 13 cuerdas: el yamato-goto y el yamato-bue. En los casos de acompañamiento instrumental, no acostumbraban hacer sonar simultáneamente la voz y el instrumento ya que ya le precedía a distancia de una corchea, realizándose una especie de cañón.
Existían diferentes géneros musicales: el bagaki para ceremonias del Emperador; el No, para la música de fondo en actos de teatro, el ko-uta, para la música folklórica y el noga-uta, para la musca seria.
En la actualidad existen dos corrientes musicales en Japón, una que pretende mantener la tradición musical a través de su música folclórica y la otra incorporada a las corrientes de la música occidental.
música tradicional de Japón, interpretada por pequeños conjuntos de instrumentos y voces. Las composiciones suelen tener una estructura de tres partes llamadas jo-ha-kyu. Su estructura consta de una introducción, una parte a modo de relajamiento en la sección central, y un efecto de aceleración hacia el final de la obra. Esta disposición se conserva en gran parte de la música japonesa y se aplica tanto a las frases musicales individuales como a las composiciones en su conjunto.
Música de culto
La música del sintoísmo, la antigua religión japonesa, se llama kagura (la buena música). Se utiliza en las ceremonias religiosas o en las funciones imperiales y también en los festivales folclóricos sintoístas. Las canciones y danzas están destinadas a alabar a los dioses y a entretenerlos. La música de los festivales estacionales se interpreta con tambores, carracas y flautas; los bailarines interpretan esta música dentro y fuera de los templos. Sus actuaciones están intercaladas con cantos a los dioses.
Música cortesana
La antigua música cortesana de Japón (gagaku) tiene sus orígenes en el siglo VIII. Proviene principalmente de China y Corea. Las orquestas gagaku pueden contar con hasta 17 músicos entre los instrumentos de madera (vientos), de cuerdas pulsadas y percusión. Entre los vientos se incluye una flauta, generalmente del tipo conocido como ryûteki; un tubo corto de doble lengüeta llamado hichiriki; y un shô, un órgano de boca sin lengüetas que tiene 17 tubos de bambú insertados en una caja de (aire) globular con un agujero para soplar. La flauta y el tubo de doble lengüeta tocan la melodía, mientras el órgano de boca hace un fondo de sonidos superpuestos. Las frases de la música se marcan mediante los sonidos de un tambor horizontal de doble membrana (kakko), un tambor colgante grande (taiko) y un pequeño gong (shôko), así como por medio de unas melodías y arpegios cortos interpretados con el laúd de cuatro cuerdas (biwa) y la cítara de 13 cuerdas (koto). La música de gagaku utiliza seis modos o escalas de origen chino, todas ellas derivadas de dos escalas pentatónicas básicas: ryo (re, mi, fa sostenido, la, si y re, además de sol y do sostenido como notas auxiliares) y ritsu (sol, la, do, re, mi y sol, además de si y fa como auxiliares). Los compases de la música de gagaku son básicamente de dos tiempos.
Música dramática
La música para teatro a principios de la edad media estuvo influida por la música budista primitiva. Consistía en acompañamientos al laúd de unas narraciones llamadas heikebiwa y de música para el teatro No. Los acompañamientos al laúd establecían unas estructuras melódicas y rítmicas que solían representar emociones o situaciones específicas. La música del No contiene partes para voces y para instrumentos. Los actores o un coro cantan mientras los instrumentistas les acompañan con un tambor de hombro (ko- tsuzumi) y un tambor de cadera (ô- tsuzumi). El conjunto instrumental completo (llamado hayashi) incluye también una flauta (nô-kan), que señala las divisiones formales dentro del drama, añade color a los momentos líricos y acompaña a las danzas, para las cuales también se usa el tambor taiko.
Sintetizadores digitales, samplers y tarjetas de sonido
A principios de la década de 1980 nuevos avances técnicos permitieron que los sintetizadores técnicos incluyeran muestras digitales pregrabadas de una variada gama de instrumentos tradicionales. Esto permitía al músico producir, con un sintetizador, imitaciones muy aceptables del sonido de , por ejemplo, una flauta o un conjunto de violines simplemente apretando un botón.
Los sampler son otro resultado del desarrollo tecnológico de los sintetizadores. Con un sampler se puede conseguir partiendo de una muestra, una imitación casi perfecta del sonido de cualquier instrumento tradicional, o tomar muestras de cualquier otro tipo de sonido, procesarlo y utilizarlo como un timbre más a disposición del músico.
Hoy en dia los sintetizadores forman parte de nuestra vida cotidiana tanto en la forma popular de teclados electrónicos o de tarjetas de sonido para ordenador que son en realidad sintetizadores que permiten la inclusión de sonidos y música en los programas informáticos.
A la composición
Editor de partituras. Por su parte los ordenadores y en ellos los editores de partituras ayudan hoy día al músico a escribir e imprimir partituras. Gracias al ordenador también es posible crear música con la ayuda de un secuenciador y usar la secuencia MIDI resultante para generar informáticamente la partitura con un programa editor, así como imprimir copias de la partitura general o de sus distintas partes. Al mismo tiempo dada su calidad sonora cuando se utilizan equipos profesionales, el MIDI se emplea cada vez más en el estudio de grabación, música de publicidad, cine, etc.
A la audición
Radio: La radio es una tecnología que posibilita la transmisión de señales mediante la modulación de ondas electromagnéticas. Estas ondas no requieren un medio físico de transporte, por lo que pueden propagarse tanto a través del aire como del espacio vacío.
Cuando la onda de radio actúa sobre un conductor eléctrico (la antena), induce en él un movimiento de la carga eléctrica (corriente eléctrica) que puede ser transformado en señales de audio u otro tipo de señales portadoras de información.
CD y DVD: El dvd ha contado desde su aparición con el apoyo de la industria electrónica, que ve en él el soporte del futuro y posiblemente reemplazará en los próximos años al Cd de audio, la cinta de video y el Cd rom. El dvd tiene el tamaño y la forma de un dvd pero cuenta con mayor capacidad de almacenamiento de datos, sean imágenes de vídeo, audio o datos de ordenador. Actualmente existen el Dvd- Vídeo y el Dvd rom destinado al ordenador.
Otros medios de difusión de la música actualmente:
Tecnología mp3 y mp4 móviles.
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La música es una forma de comunicación humana, uno de los lenguajes con que cuentan las personas para expresarse. Como en otras formas de comunicación ( los escritores utilizan las palabras, los pintores las formas y los colores,etc) en la música se utiliza el sonido
El sonido se podría definir como:
La sensación auditivo-cerebral que produce el fenómeno físico (ondas sonoras) originado por las vibraciones de un cuerpo elástico, que son transmitidas a través de un medio
Normalmente se suelen diferenciar dos tipos de sonido: el natural- ambiental producido por la propia naturaleza y el estético-musical generado por instrumentos musicales.
Como en todo proceso comunicativo en la música los elementos que intervienen son tres.
EmisorMediotransmisorReceptor
El emisor es un cuerpo elástico que al ejercerle una fuerza genera una vibración, esta vibración se propaga a través de un medio transmisor, que generalmente es el aire, llegando finalmente el receptor, el tímpano de nuestro oído que es el que recibe las vibraciones y donde éstas, se transforman en impulsos nerviosos donde se genera el sonido propiamente dicho.
Si alguno de estos tres elementos falla o falta no se produce sonido.
Es importante señalar que la ciencia que estudia el sonido es la Acústica que significa oir, y que estudia el fenómeno del sonido en todas sus manifestaciones e implicaciones: su origen, naturaleza, propagación y percepción.
Medios transmisores
Como hemos visto las vibraciones de un cuerpo sonoro llegan al oído a través de un medio transmisor elástico que lo propaga, el cual puede ser sólido( acero,madera,) líquido ( agua, cloro) y gaseoso ( generalmente el aire). El sonido no se propaga en elvacio.
Como sabemos, el sonido no se propaga instantáneamente, su velocidad varía dependiendo de la densidad del medio. El aire es el principal transmisor del sonido donde se propaga a 340 metros por segundo; propasándose en todas direcciones formando esferas concéntricas.
El silencio
Hasta ahora hemos hablado del sonido, pero detengámonos por un momento en la ausencia del sonido, es decir en el silencio.
El silencio es para nuestras vidas y para la música tan importante como el mismo sonido. Tanto es así que los compositores han otorgado dentro de la música gran importancia al silencio.
Incluso se han compuesto obras basadas en el silencio como 4. 33 del compositor noreamericano John Cage el cuál llegó a afirmar después de esta experiencia que el silencio no existe; simplemente el silencio son los sonidos que no oímos.
Sonido determinado e indeterminado
El sonido se califica como determinado, cuando responde a vibraciones de igual duración y produce melodías y armonías. El sonido es indeterminado cuando sus vibraciones son irregulares produciendo generalmente ritmos
Parámetros del sonido
El sonido tiene cuatro cualidades, propiedadeso parámetros que lo caracterizan. Son:
ALTURA: es la propiedad que nos hace considerarlo como agudo, medio o grave
La altura depende de la frecuencia que es el número de vibraciones por segundo que posee un sonido
La altura se mide en Hercios(Hz). Un Hercio equivale a una vibración por segundo. Los límites de la audición del oído humano se encuentran entre los 16 y 20.000 Hz. Por debajo de los 16 Hz se encuentran los infrasonidos y por encima de los 20.000 Hz se hayan los ultrasonidos.
INTENSIDAD: Es la fuerza con que se produce un sonido haciendo por lo tanto referencia a los conceptos fuerte o débil. La intensidad depende de la amplitud de onda que viene determinada por la densidad del medio, de la distancia y de las condiciones acústicas del lugar
La intensidad se mide en decibelios ( dB).Los límites del ser humano para la percepción de la intensidad se encuentran entre el umbral de audición ( a partir de 0 dB) y el umbral del dolor ( a partir de 120 dB)
El eco es una repetición exacta del sonido ( cada vez con menos intensidad) cuando este choca (se refleja) como un obstáculo.
TIMBRE o COLOR: Es la cualidad por la que sabemos que instrumento o voz estamos oyendo. El timbre depende del número y calidad de armónicos1 que estamos oyendo. Eltimbre depende del número y calidad de armónicos que acompañen a cada sonido fundamental. Estos armónicos dependen de cómo se produzcan las vibraciones ( soplando, golpeando, frotando, etc…) y según sean los materiales que constituyen el emisor ( madera, metal, plástico, etc..)
DURACIÓN: Es la cualidad que nos permite apreciar el tiempo que el sonido permanece en nuestro oído refiriéndose a los conceptos temporales de largo y corto. Depende de lo que dure la vibración de la onda.
MÚSICA CONCRETA, ELECTRÓNICA Y ELECTROACÚSTICA
La música concreta es un tipo de organización del sonido que se origina en las experiencias del compositor Pierre Schaeffer en los estudios de la radiodifusiónfrancesa en 1948.Consiste en grabar o generar (antes en cinta magnetofónica y desde los años ochenta en sintetizador o en ordenador), sonidos musicales y no musicales, ruidos «concretos», tales como golpes, gritos, ruido de motores, canto de pájaros, mugidos, etc., a los que se llama «objetos sonoros».Estas grabaciones son luego seleccionadas (algunas se eliminan), manipuladas electrónicamente (con filtros, reverberación, delay, eco, etc.) y finalmente se combinan (pegando trozos de cinta magnetofónica o «pegando» archivos de audio), formando una especie de montaje sonoro-musical.
El compositor trabaja sólo con sonido grabado y la obra final sólo existe como una grabación (en cinta o como un archivo de audio digital). Luego se reproduce por medios electroacústicos (reproductor de cinta, amplificador y altavoces).La diferencia entre la música concreta y la música electrónica consiste en que en la primera se emplean sonidos y ruidos existentes; en cambio en la segunda se crean previamente (con generadores de sonido electrónico, como osciladores o por software de ordenador) todos los objetos sonoros con los que el compositor trabajará.
«Medios mixtos» se le dice a la obra que mezcla música electroacústica (concreta o sintetizada) con instrumentos tocados en vivo, los cuales pueden ser o no procesados en tiempo real. La música concreta actualmente se hace principalmente en computador, pero quedan bastantes fanáticos del sonido analógico.
La música electroacústicacomienza a despuntar en los años inmediatamente posteriores a la Segunda Guerra Mundial, gracias al notable avance de la electrónica y su aplicación a diversos ámbitos científicos. Surgió como posición unificadora entre la música electrónica que se venía haciendo en Colonia (Alemania) durante los años cincuenta (la cual usaba prácticamente sólo sonidos generados electrónicamente) y la música concreta, aunque poco a poco se fue convirtiendo en un término general que agrupa ahora a la electrónica en vivo, la tape music (música en cinta), y cualquier otra música o tendencia que pueda combinar sonidos del entorno acústico natural, sean convencionalmente musicales o no, con otros generados de manera electrónica mediante osciladores, generadores de onda, computadoras, etc. Cuando se utilizan exclusivamente sistemas digitales también se denomina música cibernética.
Una de sus características es que esta música se elabora principalmente en los estudios y laboratorios y en la práctica elimina a los intérpretes.
Gran parte de la música de vanguardia pertenece a esta corriente, por lo que no es extraño encontrar en los conservatorios de música, laboratorios electroacústicos y espacios dedicados a la composición por medios informáticos.
PARTITURAS
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Música de los negros africanos que viven al sur del Sahara, por distinguirla de la música árabe del norte de África. En esta región, con más de 40 naciones —cada una con su propia historia y una mezcla exclusiva de culturas y lenguas— se ha desarrollado una rica tradición musical.
Estilo musical A pesar de su diversidad, la música africana tiene varios rasgos específicos comunes a todos los estilos musicales. Uno de ellos es el uso de la repetición como principio organizativo. Por ejemplo, en la música para mbira del pueblo shona de Zimbabwe, se establece un patrón de repetición gracias a la interacción de las manos, y el intérprete improvisa a partir de él. Otra característica común importante es la polifonía (textura musical que consta de dos o más líneas melódicas). La música africana posee, además, una cualidad comunicativa, por la cual varias voces, instrumentos e incluso las manos de un solo intérprete, producen un intercambio lleno de vitalidad. Una de las maneras de producir música es el canto de llamada y respuesta, en el cual un coro repite un estribillo fijo que se alterna con el cantante solista, quien dispone de mayor libertad para improvisar.
Existen muchos modos distintos de expresión en la música africana. En África Occidental son comunes los conjuntos de tambores que tienen de tres a cinco músicos tocando patrones alternados. En el conjunto, cada tambor usa un método diferenciable para percutir el parche, de manera que produzca notas y timbres (colores tonales) que distingan a su tambor de los demás. Dichos conjuntos incluyen unas carracas y una campana de metal que se golpea con un palo y que produce un patrón repetitivo (a veces llamado línea temporal) que penetra en la densa textura del conjunto y ayuda a que los percusionistas estén sincronizados unos con otros.
En la música para xilófono akadinda del pueblo baganda de Uganda, hay dos grupos de tres músicos cada uno enfrentados a un mismo xilófono. El primer grupo toca un patrón repetido en octavas, mientras el segundo grupo completa los tiempos ausentes con un patrón de relleno. El tempo (o velocidad) resultante puede aproximarse a las 600 notas por minuto. En el este, centro y sur de África hay grupos de músicos que tocan conjuntos de flautas o trompetas, en los que cada cual contribuye con una única nota en estrictas rotaciones con los demás. La alternancia de las partes crea una rica textura polifónica. Este tipo de técnica de conjuntos, conocida como hoquetus, ha sido también característica de la música antigua europea en los siglos XIV y XV. El hoquetus juega un papel importante en la música del pueblo san del desierto del Kalahari y de los pigmeos de los bosques pluviales del centro de África.
Entre los pueblos del sur de África, la polifonía se encuentra más desarrollada en la música vocal. En la música coral tradicional zulú, las voces individuales entran en puntos diferentes, formando un ciclo continuo, superponiéndose unas a otras en una textura compleja y constantemente cambiante. La misma técnica puede ser utilizada en las actuaciones vocales solistas, donde un cantante saltará de uno a otro punto de entrada con el objetivo de integrarse en la textura polifónica total. La música africana utiliza una amplia variedad de calidades de voz. Es habitual añadir a los instrumentos objetos sonoros como cascabeles, sonajeros y membranas (como en la mbira) para producir un efecto de sonido insectil.
Instrumentos En la música africana se usa una amplia gama de instrumentos. Los tambores, uno de los instrumentos más populares, tienen muchas formas y tamaños diferentes. Para los cuerpos se utiliza madera, calabazas y arcilla. Las membranas se hacen con pieles de reptiles, vacas, cabras y otros animales. Entre los tipos de tambores más importantes se incluyen los grupos de tambores afinados en una escala y montados sobre un armazón y que toca un equipo de percusionistas, los tambores de fricción, en los cuales el sonido se produce frotando la membrana, y el tambor de tensión del Oeste de África con forma de reloj de arena, a veces llamado tambor parlante, porque puede usarse para imitar los contornos melódicos del habla. Djembé
Si bien los estereotipos de la música africana suelen acentuar la importancia de los tambores, existen muchas otras clases de instrumentos de percusión, incluidos golpeadores, campanas, carracas, gongs de madera, calabazas percutidas, vasijas de arcilla, tubos sellados y xilófonos. El lameláfono, un instrumento exclusivo de África, consiste en una serie de láminas de metal o bambú montadas sobre una tabla o una caja. El instrumento se sostiene en las manos o en el regazo del músico, y con los pulgares o los índices se pulsan los extremos libres de las láminas. Los lamelófonos están muy distribuidos por toda África y también se les conoce como mbira, kalimba o likembe.
Entre los instrumentos de cuerda populares en África se encuentran los arcos musicales, laúdes, liras, arpas y cítaras. Los músicos profesionales del pueblo mandinga de Gambia tocan el kora, un arpa-laúd de 21 cuerdas, que incluye tanto cuerdas pulsadas como otras que resuenan por simpatía. El xalam, un laúd de pulso, es un pariente cercano del banjo afroestadounidense y es un instrumento popular en Senegal. El arco musical, que consiste en una cuerda atada por ambos extremos a un arco flexible, juega un papel especialmente destacado en la música tradicional de los pueblos del sur de África como los san, los xhosa y los zulúes.
Entre los instrumentos de viento africanos encontramos flautas, silbatos, oboes y trompetas. Las flautas traveseras y rectas están hechas de bambú, caña, madera, arcilla, hueso y otros materiales y están distribuidas por toda la región subsahariana. Las trompetas suelen asociarse con la realeza, están hechas con cuernos de animales o de madera y pueden encontrarse en muchas regiones. Los clarinetes de la región de la sabana al oeste de África están hechos con maíz de guinea o tallos de sorgo, con una lengüeta cortada de la superficie del tallo en uno de los extremos. Los instrumentos de doble lengüeta, como la algaita de los hausa, provienen de África del Norte.
Jazz
Origen
Geográficamente, el jazz surge en el estado de Luisiana, concretamente en la zona de influencia de Nueva Orleans (cuna del estilo musical y principal centro jazzístico durante la primera época del jazz),[5] a donde llegaban grandes remesas de esclavos de color, fundamentalmente de la zona occidental de África, al sur del Sáhara, la zona denominada Costa de Marfil, "Costa del Oro" o "Costa de los esclavos".
En muchas áreas del Sur de Estados Unidos, el batir de tambores estaba específicamente prohibido por la ley, de forma que los esclavos negros tuvieron que recurrir a la percusión mediante las palmas de las manos y el batir de los pies para disfrutar de sus fiestas y su música característica. Sin embargo, la prohibición no tuvo vigor en la llamada Place Congo (Congo Square) de Nueva Orleans, en la que hasta la Guerra de Secesión los esclavos tenían libertad para reunirse, cantar y acompañarse de verdaderos instrumentos de percusión tales como calabazas resecas y rellenas de piedrecitas, el birimbao, las quijadas, el piano de dedo pulgar o sanza, y el banjo de cuatro cuerdas.
Musicalmente, el jazz nace de la combinación de tres tradiciones: la autóctona estadounidense, la africana y la europea.
La comunidad afroamericana del sur de los Estados Unidos desarrolló su expresión musical a través de la improvisación creativa sobre el material que le proporcionaban las músicas religiosas (especialmente, los bailes y rituales vinculados al vudú) y seglares propias traídas de África, la tradición instrumental de las orquestas estadounidenses (sobre todo, las bandas militares) y las formas y armonías de la música europea.
Estas primeras manifestaciones musicales afroamericanas eran una mezcla de ritmos e instrumentos asociadas a la vida de los esclavos, por lo tanto interpretadas como canciones de trabajo y de diversión colectiva. La improvisación es ya, en estos primeros momentos, un componente esencial de estas músicas, que las contrapone a la música compuesta de los blancos.
Los esclavos fusionaron muchas de sus tradiciones africanas con el cristianismo protestante que les impusieron sus amos, lo que constituyó el caldo de cultivo apropiado para el desarrollo de los espirituales. Es importante observar el hecho de que, a pesar de las divergencias en ritmo, armonía y estilo interpretativo, la tradición musical europea que los esclavos conocieron en Estados Unidos ofrecía puntos de contacto con su propia tradición: así, la escala diatónica era común a ambas culturas. Si a esto se le añade el relativo aislamiento cultural en que vivía gran número de esclavos y la tolerancia de los amos respecto de su música, la consecuencia fue que pudiesen mantener íntegro gran parte de su legado musical en el momento de fusionarse con los elementos compatibles de la música europea y estadounidense, con lo que se consiguió un híbrido con notable influencia africana.
La finalización de la guerra que enfrentó el norte con el sur, permitió la llegada de gran cantidad de instrumentos musicales a las manos de los esclavos recién liberados, muchos de los cuales tomaron la música como forma de vida.
Con estos nuevos instrumentos y reuniendo todas las influencias musicales, se formaron las 'marching bands' y las bandas de música bailable de la época, que, a finales del XIX, suponían el formato habitual en lo que a conciertos de música popular se refiere. Los instrumentos de este tipo de grupos se convirtieron así en los instrumentos básicos del jazz: la corneta, el trombón, los 'reeds' o 'instrumentos de lengüeta' como el clarinete, y la batería.
Los músicos negros solían utilizar la melodía, la estructura y el ritmo de las marchas como punto de salida. Sin embargo, en el proyecto de la Dotación Nacional para las Humanidades ("Norte por Sur, de Charleston a Harlem") se dice: "(…) un espíritu negro, relacionado con el ritmo y la melodía, emergía desde los confines de la tradición musical europea, aun a pesar de que los intérpretes utilizaban instrumentos europeos. El gusto afroamericano por diversificar las melodías y remodelar los ritmos supuso la base de la que surgirían después muchos de los más grandes intérpretes del jazz."[cita requerida]
Siguiendo la tradición afroamericana de Nueva Orleans, muchos músicos negros consiguieron ganarse la vida en pequeñas bandas que eran contratadas para tocar en funerales. Estas bandas africanizadas jugaron un papel embrionario en la articulación y diseminación de las formas tempranas del jazz. Viajando a través de las comunidades negras, desde el sur profundo a las grandes ciudades del norte, estos músicos pioneros consiguieron establecer el aullido, la estridencia, el libre desvarió, la "ragedia" (raggedy) y el espíritu del ragtime, dando vida a una más elocuente y sofisticada versión del ritmo. Así las cosas, las formas iniciales del jazz, con sus raíces populares y humildes, fueron básicamente el producto de músicos autodidactas.
El endurecimiento de las leyes ‘Jim Crow’ en Luisiana a finales del XIX (que promovían la segregación racial con el tristemente famoso "iguales pero separados") hizo que muchos músicos afroamericanos fueran expulsados de diversas bandas que mezclaban a blancos y a negros. La habilidad de estos artistas musicalmente formados, capaces de transcribir y leer aquello que en gran parte suponía un arte de improvisación, hizo posible conservar y diseminar sus innovaciones musicales, hecho que cobraría una importancia creciente en la ya cercana época de las grandes bandas.
Progresivamente, aparte de irse creando esos grupos de músicos negros que actúan de forma autónoma y conjuntada como tales, se van estandarizando algunos estilos o géneros:
* Los field shouters o lamentos de los esclavos expresando la crueldad de sus largas horas de trabajo, a los que luego fueron incorporados algunos instrumentos occidentales y principalmente, el ritmo sincopado africano.
* El blues: asociado a la descripción de un estado emocional desconsolado o marcado por la depresión, aunque no sea intrínsecamente pesimista: expresa problemas relacionados con la pobreza, la emigración, las disputas familiares, la opresión, pero los reconduce con su expresión hacia la experimentación de una catarsis que deriva bien en la resignación, bien en el optimismo. El entorno original del blues es el gueto negro urbano y la granja rural.
El blues cuenta con una historia en gran medida independiente del jazz, a pesar de que su papel crucial en la creación y desarrollo del jazz resulta innegable. El formato musical, la escala y los rasgos interpretativos del blues forman parte del jazz y son decisivos para la comprensión de dicho género.
* Las worksongs o canciones de trabajo en las plantaciones de algodón;
* También la música de baile de las plantaciones contribuyó con seguridad a la formación del jazz y sus intérpretes son probablemente un precedente de sus primeros combos. Esta música servía para acompañar el baile y la aportaba un grupo de tres músicos: violín, banjo y percusión ligera (que a finales del siglo XIX contarían también con contrabajo o violonchelo y trompeta o corneta);
* La comedia, el vodevil y los minstrels;
* Los espirituales;
* Las marchas ejecutadas por brass bands, bandas callejeras que actuaban en desfiles, cortejos, etc.;
* El ragtime, "la primera música negra que consiguió amplia popularidad y distribución comercial", y de enorme influencia en toda la música estadounidense y en la música clásica de la época en general.
Los primeros grupos musicales que tocaron música jazz se caracterizaban por poseer una sección rítmica cuya función no era melódica y que evolucionaría hasta componerse de piano, contrabajo y batería. En este sentido, la importancia del piano para el nuevo estilo fue fundamental:
Mientras que el pianista de ragtime operaba como una entidad autosuficiente que ejecutaba de modo simultáneo los elementos melódicos, armónicos y rítmicos de la pieza, el pianista inscrito en un grupo de jazz se especializaba en dos de estas tres funciones: el patrón armónico y el ritmo propulsivo.
Por otro lado, el percusionista añadió vivacidad y síncopa a estos primeros combos jazzísticos. El instrumento melódico fundamental era la trompeta o corneta, que servía para delinear melodías sincopadas muy al estilo ragtime.
En cuanto a los músicos individuales, los pioneros del jazz fueron King Oliver, Freddie Keppard, Louis Armstrong, Jelly Roll Morton, Sidney Bechet y Buddy Bolden.
El ritmo de los grupos de Nueva Orleans (...) se caracterizaba por operar en tres niveles: el pulso de negra, el grupo armónico de blanca y el grupo melódico u ornamental de corchea. (...) La polifonía improvisada de la primera línea consistía en ornamentación, obbligato e invención contramelódica. (...) El conjunto musical incluía elementos formales. Rítmicamente, los dos rasgos característicos del jazz de Nueva Orleans eran el break, originador de homofonía, y el stomp, con rasgos polifónicos. Por lo demás, el jazz de los primeros tiempos tenían una clara funcionalidad social, tocándose en funerales, bodas, bailes, etc. Esta asociación con elementos populares conllevó que el jazz fuese vinculado a la vida licenciosa, ganándose las constantes críticas de la prensa a partir de los primeros años veinte por considerarse un síntoma de un generalizado declive moral.
Desarrollo del jazz
Posteriormente, inaugurando la época del swing, (1923-1939) llegó King Oliver, con su "Creole Jazz Band" y grabó entre otras composiciones "Dippermouth Blues". Los tres solos a corneta de esa pieza, además de ser el punto de inflexión entre la música callejera y el jazz, fueron imitados sin contemplaciones hasta mucho tiempo después por un gran número de músicos. Louis Armstrong - segunda trompeta de su banda y discípulo suyo- retomó en la orquesta de Fletcher Henderson el estilo, el virtuosismo y la flexibilidad rítmica de Joe Oliver, superándolo y marcando un camino imborrable en el tiempo. Otro gran iniciador del camino de la improvisación fue Sidney Bechet, virtuoso del clarinete y el saxofón soprano, precursor del "solo" en el jazz, que también en 1923 cautivó a los oyentes de la nueva música con sus grabaciones de "Wild Cat Blues", "Kansas City Man Blues", y en especial, el magistral "House Rent Blues".
Durante finales de los años veinte y hasta mediados de la década del 40, fueron las grandes bandas quienes dominaron la escena musical. El Swing se caracterizó por su carácter melódico que permitió que fuera una música perfecta para el baile por lo que su penetración mundial fue acelerada. Las composiciones seguían un formato escrito y no se daba gran libertad a la improvisación aunque esta no fuera la regla. En principio las grandes bandas eran raciales pero finalmente se fueron integrando músicos blancos y negros. Los más famosos directores de estas grandes bandas fueron Fletcher Henderson, Count Basie, Duke Ellington, Benny Goodman, entre otros.
El bebop (1940-1950), la revolución musical base de todo el jazz moderno, coincidió con la huelga de grabaciones que desde el 1 de agosto de 1942 hasta noviembre de 1944 llevaron a cabo todos los músicos organizados en torno a la Federación Estadounidense de Músicos (AFM). El efecto más perverso de esa huelga fue retrasar oficialmente el nacimiento de aquella nueva música que se estaba gestando en el norte del barrio de Harlem y en torno a un club ya histórico y desaparecido: El Minton's Playhouse de Harlem, en Nueva York. Charlie Parker, Dizzy Gillespie y Thelonious Monk fueron los grandes gestores de este género musical.
El cool o West Coast jazz, y el hardbop (1951-1969) convivieron durante este periodo de tiempo en una pugna por la hegemonía musical del jazz. Mientras en la Costa Oeste de Estados Unidos, Lennie Tristano, Lee Konitz, Dave Brubeck, Paul Desmond y otros músicos generalmente blancos le daban al jazz una impronta estilísticamente más culta, y presuntamente más funcional, en la Costa Este surgió con enorme fuerza alrededor del batería, Art Blakey, Horace Silver y los Jazz Messengers, un estilo que los negros neoyorquinos no dudaron en considerarlo no sólo como una respuesta al presunto amaneramiento del jazz, sino como legitimo heredero del bebop. Luego llegaron al jazz aires renovados que inauguraron toda una época: llegó el jazz libre o freejazz. Ornette Coleman fue acusado por los puristas de asesinar al jazz, pero cuando Miles Davis, entró en ese terreno con discos y aventuras musicales eléctricas, las críticas no sólo terminaron, sino que se volvieron alabanzas. John Coltrane, quien formó parte de algunas formaciones lideradas por Davis, es otro de los músicos insoslayables de este lenguaje musical.
A fines de los años 1960 y comienzos de los años 1970, el jazz se mezcló con el rock para dar lugar a agrupaciones como Soft Machine, Mahavishnu Orchestra, Weather Report, Return to Forever, bandas integradas por muchos de los músicos que habían participado del disco Bitches Brew de Miles Davis (o que habían sido inspirados por aquel álbum), representantes de un estilo llamado fusión o Jazz Rock. Ellos son: Robert Wyatt, John Mc Laughlin, Chick Corea, Herbie Hancock, Dave Holland, Wayne Shorter, Ron Carter, Joe Zawinul, Jack DeJohnette, Billy Cobham, Lenny White. Si bien la moda del jazz-rock pasó, estos músicos desarrollaron -con algunos altibajos- carreras interesantes. Desde esa década -y hasta el presente-, aparecieron otros nombres: Jaco Pastorius -muerto trágicamente en 1987, víctima de un custodio de un bar-, Michael Brecker y su hermano Randy Brecker, Pat Metheny, Bill Frisell, Mike Stern, David Fiuczynski, Esbjörn Svensson Trio, etc.
La escena musical estadounidense a comienzos del siglo XX
Al inicio del siglo XX la sociedad estadounidense había comenzado a despojarse de la opresiva y rígida formalidad que había caracterizado a la era victoriana.
Desde el siglo XIX, con las canciones de comedia y 'trovadores' (los "minstrel shows") o las melodías de Stephen Foster, la influencia de las tradiciones musicales afroamericanas aparecía como parte integrante de la música popular estadounidense y lo hizo así durante generaciones.
Los clubes, las salas de baile y los cafés (‘tea rooms’) comenzaron a aparecer en todas las ciudades. Curiosamente los bailes llamados negros, que se inspiraban en movimientos africanos –como el ‘shimmy’, el ‘turkey trot’, el ‘chicken scratch’, el ‘monkey glide’, y el ‘bunny hug’- fueron adoptados por un público blanco. El ‘cake walk’, desarrollado por esclavos como parodia de los bailes formales de sus amos, se convirtió en el último grito. El público blanco aprendía estos bailes viéndolos primero en programas de vodevil y observando luego a bailarines profesionales en los clubes.
En aquellos tiempos la música de baile popular no era el jazz aunque se encontraban ya formas precursoras, por ejemplo en la experimentación e innovación musical del blues o el ragtime, que pronto florecerían como jazz. Compositores neoyorquinos (los conocidos como el grupo de la ‘Tin Pan Alley’, entre ellos Irving Berlin), incorporaron la influencia del ragtime a sus composiciones aunque apenas utilizaban los mecanismos específicos que eran naturales a los artistas del jazz –los ritmos, las blue notes. Pocas cosas consiguieron más para hacer popular este tipo de música que el éxito de Berlin de 1911 llamado "Alexander's Ragtime Band", que se convirtió en una auténtica locura tanto en los Estados Unidos como en Europa (especialmente en Viena). Aunque la canción no estaba escrita como un ragtime, la letra describe a un grupo de jazz que convertía canciones populares a ritmos de jazz –como en la línea donde dice: "si quieres oír el ‘Swanee River’ tocado en ragtime…".
El ‘Jazz’ de Nueva Orleans
Una gran cantidad de estilos regionales contribuyeron al desarrollo inicial del jazz. Probablemente el primer movimiento musical al que comúnmente se denominó jazz (frecuentemente escrito 'jass' entonces) fue el desarrollado en el área de Nueva Orleans, en Luisiana.
La ciudad de Nueva Orleans y las áreas circundantes siempre han sido un centro musical regional. Gente de diferentes naciones de África, Europa y Latinoamérica contribuyeron al rico patrimonio musical de Nueva Orleans. En la era colonial de Francia y España, los esclavos tenían más libertad de expresión cultural que los de las colonias inglesas que luego se convertirían en los Estados Unidos. En las colonias protestantes, la música africana era vista como "pagana" y era comúnmente suprimida, mientras que en Louisiana era aceptada. Las celebraciones musicales africanas se siguieron celebrando en "Congo Square" en Nueva Orleans hasta por lo menos 1830, a las que también asistían blancos interesados, y algunas de sus melodías y ritmos fueron usados en las composiciones del compositor Louis Moreau Gottschalk. Además de la población esclava, Nueva Orleans también tenía la mayor comunidad de gente de color libre en Norteamérica, quienes se enorgullecían de su educación y usaban instrumentos europeos para ejecutar música europea y sus propias canciones de folk.
De acuerdo con muchos músicos de Nueva Orleans que recordaban la época, las figuras clave en el desarrollo del nuevo estilo fueron el extravagante trompetista Buddy Bolden y los miembros de su banda. Bolden es recordado como el primero en tomar el blues -hasta el momento una música folclórica cantada y acompañada por instrumentos de cuerda o armónica- y arreglarlo para instrumentos de metal. La banda de Bolden tocó blues y otras canciones, "variando la melodía" constantemente (improvisando), creando una sensación en la ciudad y rápidamente fueron imitados por muchos otros músicos.
Hacia principios del siglo XX, viajeros que visitaban Nueva Orleans remarcaban la habilidad de las bandas locales para tocar "ragtime" con una vitalidad que no se escuchaba en otros lados.
Las características que apartaron el temprano estilo de Nueva Orleans de la música ragtime que se tocaba en otros lados fue la mayor libertar en la improvisación rítmica. Los músicos de ragtime le daban un ritmo sincopado y ejecutaban una nota dos veces (a la mitad del valor de tiempo), mientras que el estilo de Nueva Orleans usaba una improvisación rítmica más intrincada a menudo colocando notas lejos del golpe tácito (comparen, por ejemplo, el piano de Jelly Roll Morton con los de Scott Joplin). Los músicos del estilo de Nueva Orleans también adoptaron mucho vocabulario del blues, incluyendo notas dobladas, notas de blues y "gruñidos" instrumentales no usados en los instrumentos europeos.
Las figuras clave en el desarrollo temprano del nuevo estilo fueron Freddie Keppard, que dominó el estilo de Bolden; Joe Oliver, que tenía un estilo más profundamente basado en el blues que el de Bolden's; y Kid Ory, un trombonista que ayudó a cristalizar el estilo con sus banda contratando a muchos de los mejores músicos de la ciudad. El nuevo estilo también fue dirigido a los jóvenes blancos, especialmente a los hijos de inmigrantes de la clase trabajadora, quienes adoptaron el estilo con entusiasmo. Papa Jack Laine lideró una banda multi-étnica por la que pasaron casi dos generaciones de músicos blancos de jazz de Nueva Orleans (y también una cantidad de gente de color).
MURGA Se denomina murga a una forma popular de música callejera desarrollada en varios países durante alguna festividad (Carnavales, fiestas patronales, aniversarios de fundación, eventos deportivos, etc.)
Murga en Argentina
Buenos Aires
La denominada murga porteña es característica de los carnavales de esta ciudad. Con integrantes que van desde los 20 hasta los 400 murgueros, Su instrumento característico es el "bombo con platillo" que guía la rítmica percusiva del tradicional desfile. La vestimenta consiste en un frac o levita, pantalón, guantes y grandes “galeras” (chisteras) de distintas combinaciones de colores dependiendo la agrupación,. Los Centros Murga son aquellos que realizan la tradición de los 1940s y 1950s de los carnavales porteños utilizando las características anteriormente descriptas tales como la implementación de un único instrumento como el bombo con platillo, el silbato (“pito”) y las canciones interpretadas por un solista al cual se acopla el coro en los estribillos. Por otro lado las Agrupaciones Murgueras denotan un estilo moderno al incluir un Los nombres de las murgas varían según el barrio de proveniencia.El estilo de la Murga en Buenos Aires es único, diferenciándose de las murgas de otras ciudades. El baile quizás sea la característica más importante. Guiado por la rítmica del bombo y del platillo, el murguero realiza saltos, patadas y contorsiones de gran destreza, fuerza y agilidad haciendo tierra en cada pulso del bombo. De este modo el baile del murguero se convierte en algo muy vistoso para el público. De acuerdo al barrio cambia el estilo de la danza y hasta el ritmo de sus bombos aunque en la actualidad ya se hayan entremezclado.
Murga en Uruguay
La murga uruguaya es un género teatral-musical que consiste en un coro de unas 13 a 17 personas, que, acompañados por una "batería de murga" integrada por: bombo, platillos y redoblante; entona canciones y realiza cuadros musicales (con personajes y línea argumental) donde la temática principal ronda alrededor de los acontecimientos salientes del año, con crítica política y social.
Murga en España
En España también hay una tradición de murgas sobretodo en el carnaval de Badajoz y en Canarias,estas murgas incluyen en sus canciones críticas hacia la sociedad, además tiene una cuidada puesta en escena, no es bailada como la porteña y lo más importante de estas son las voces y el acompañamiento realizado únicamente por la percusión
Chirigota: La chirigota es una agrupación músico coral de carácter carnavalesco que canta principalmente por las calles ofreciendo coplas humorísticas al pueblo. También se denomina genéricamente chirigotas a las canciones interpretadas por estas formaciones corales.
Las chirigotas son coplillas recitativas y monólogas y poseen unas formas musicales muy simples procedentes del pasodoble, la rumba, la sevillana, el tanguillo, la seguidilla, la jota, la isa canaria etc. Las letrillas inventadas ad-hoc se acoplan a esta música y tratan de muy diversos temas, centrándose sobre todo en la actualidad, tanto política como de la prensa del corazón. En muchos carnavales del mundo se celebran concursos donde los grupos compiten por diversos premios, valorándose principalmente tres aspectos: el vestuario o presentación, la calidad de las voces y la agudeza de las letras. El objetivo principal de la chirigota es hacer reír al público a través de la crítica satírico-humorística.
Comparsa: Tipo de agrupación carnavalesca que sale a la calle a cantar y ofrecer coplas al pueblo. En muchos carnavales del mundo se realizan concursos donde éstas compiten por diversos premios. A diferencia de la chirigota se centra más en temas sociales que en hacer reir. Está compuesta desde 12 hasta 15 componentes que cantan en diferentes voces: octavilla, contraalto, tenor y segunda. Se acompañan de dos o tres guitarras, un bombo, una caja y pitos o güiros. Su repertorio se compone de presentación, pasodobles, cuplés, estribillo y popurrí. Son características en Cádiz, Badajoz, Canarias o Málaga.
CARNAVAL, CARNAVAL
Carnaval: Un carnaval es una celebración pública que tiene lugar inmediatamente antes de la cuaresma cristiana, con fecha variable (desde finales de enero hasta principios de marzo según el año), y que combina algunos elementos como disfraces, desfiles, y fiestas en la calle. Por extensión se llaman así algunas fiestas similares en cualquier época del año. A pesar de las grandes diferencias que su celebración presenta en el mundo, su característica común es la de ser un período de permisividad y cierto descontrol.
El carnaval está asociado principalmente con el catolicismo, y en menor medida con los cristianos ortodoxos orientales; las culturas protestantes usualmente no celebran el carnaval o tienen tradiciones modificadas, como el carnaval danés. La celebración del carnaval más grande del mundo es el Carnaval de Brasil, pero muchos otros países tienen importantes celebraciones, como la que se celebra en Italia, en el Carnaval de Venecia.
Carnaval en Venecia: El carnaval de Venecia surge a partir de la tradición del siglo XVII, en donde la nobleza se disfrazaba para salir a mezclarse con el pueblo. Desde entonces las máscaras son el elemento más importante del carnaval.Tiene una duración de 10 días. Durante las noches, se realizan bailes en salones y las comparsas conocidas como compagnie della calza realizan desfiles por la ciudad. Entre las más conocidas se encuentran Los Antiguos y Los Ardientes. Los trajes que se utilizan son característicos de los años 1700 y abundan las maschera nobile, que es una careta blanca con ropaje de seda negra y sombrero de tres puntas. Después de 1979 se han ido sumando otros colores a los trajes, aunque las máscaras siguen siendo en su mayoría blancas, plateadas y doradas. En el año 1797Napoleón Bonaparte derogó los festejos de carnaval, que fueron restablecidos recién en 1979 de forma oficial. Desde entonces la festividad da inicio cada comienzo de cuaresma.
El carnaval de Brasil es una celebración anual que tiene lugar cuarenta días antes de Pascua (marcando el comienzo de la cuaresma). Tiene algunas variaciones con su contraparte europea y también diferencias a lo largo del territorio brasilero.A pesar de la inspiración católica más bien es celebrado como una fiesta profana que como un evento religioso.
Sus orígenes europeos se remontan a una clase de carnaval llamado introito ("entrada" en latín) y entrudo en idioma portugués, que se caracteriza por el juego de tirarse agua de una persona a otra para purificar el cuerpo. fue prohibido sin demasiado éxito a mediados del siglo XIX, porque era considerado violento .A finales del siglo XIX, los cordões ("lazos", en portugués) fueron introducidos en Río de Janeiro y consistían en grupos de personas que caminaban por las calles tocando música y bailando. Los cordões fueron los antecesores de las modernas escuelas de samba.Los blocos (bloques), otro nombre para los cordões, son algunas de las actuales representaciones del carnaval popular de Brasil. Están formados por personas que se disfrazan de acuerdo a ciertos temas o celebran el carnaval de forma específica. Las escuelas de samba son verdaderas organizaciones que trabajan todo el año con el objetivo de prepararse para el desfile de carnaval.La celebración principal se lleva a cabo en Río de Janeiro, en donde las escuelas de samba, blocos y bandas ocupan barrios enteros.
En algunas regiones del noroeste de ese país, especialmente en Salvador, Bahia, existe otra forma de carnaval: el Trío eléctrico, que es un camión adaptado con grandes altavoces y una plataforma en donde los músicos tocan melodías de géneros locales como el maracatú y la música axé. En estos camiones tocan famosos grupos musicales, como Chiclete com Banana, Ivete Sangalo y Carlinhos Brown. Junto a los camiones van cerca de 500.000 personas, cantando y bailando.
SAMBA
La Samba es una de las formas musicales más populares de Brasil. De hecho, es ampliamente visto como el estilo musical nacional. El nombre samba probablemente viene de la semba de Angola, un tipo de música ritual.
La bossanova
es un género musical de origen brasileño que surgió a fines de los años cincuenta, impulsada por un grupo de estudiantes y músicos de clase media procedentes de Copacabana e Ipanema, en los barrios de Rio de Janeiro situados junto a la playa. El nombre se puede traducir como "el ritmo nuevo" o "el camino nuevo " aunque etimológicamente significa "voz nueva". Se hizo muy conocida en Brasil gracias a la grabación de "Chega de Saudade", interpretada por João Gilberto y compuesta por Antonio Carlos Jobim y Vinicius de Moraes, tres de los principales exponentes de este género. en Brasil.ste estilo es reconocido por su importancia dentro de la historia de la música brasileña. Recogió los rasgos distintivos de la samba callejera, estridente y ardiente, para quitarle decibelios, fervor y tambores, y llevarlo a espacios más reducidos donde se pudiera escuchar en plena tranquilidad. Surgieron nuevas y sofisticadas armonías, con irregularidades que tenían una relación directa con el espíritu de la música de posguerra estadounidense, entre ellas el jazz. Las letras y la música mantenían además una estrecha relación entre sí, aunque su característica principal es el ritmo, de raíz brasileña.
Choro: El choro (en portugués, lloro o llanto), popularmente llamado chorinho, es un género musical, una música popular e instrumentalbrasileña, con más de 130 años de existencia. Los conjuntos que lo ejecutan son llamados regionais (regionales), y los músicos, compositores o instrumentistas, son llamados chorões. El choro es considerado la primera música popular urbana típica de Brasil, y su ejecución resulta ser muy difícil.
Bachiana: Las Bachianas brasileiras es un grupo de obras creadas por Heitor Villa-Lobos (compositor brasileño). Elaboradas durante 1930 y 1945, aunque llamadas igual estas nueve piezas distintas no son para interpretar de forma continua, aún guardando una relación singular.
Villa-Lobos les otorgó este nombre debido a que en todas quiso fusionar el estilo y forma de componer del compositor barroco alemán Johann Sebastian Bach, al que admiraba, con el folclore brasileño. No cumplen una plantilla instrumental fija, cada una tiene una formación distinta, agrupaciones camerísticas, orquestales, etc. Sus movimientos utilizan la terminología musical barroca junto con un término brasileño. Aunque las trató por separado, siempre las llamó en plural para designarlas.
INSTRUMENTOS QUE ACOMPAÑAN AL CARNAVAL
Instrumentos de percusión
Surdo 16" y surdo 20" Su origen viene de la incorporación de objetos grandes para la batucada, como grandes latas de mantequilla con un parche animal adaptado a sus extremidades) Está en el apartado de timbres graves, es el corazón en una batucada y el que marca el ritmo. Dependiendo de su tamaño y afinación tiene una acción perfectamente determinada. Hoy en día se puede encontrar en diversos diámetros y con el cuerpo de madera o metal, así como con parches de piel o sintética. En cuanto a su estructura, se parece al timbal base de una batería y se suele llevar colgado del cuerpo, tocándolo con masas (una para el samba y dos para ritmos afro-bahianos) y de contrapunto, la mano.
Panderos En muchos países encontraremos pandeiros, el nuestro ha sufrido su adaptación. Cilíndrico y con chapitas metálicas alrededor del cuerpo. Hecho en madera o plástico y más bien estrecho. Existen pandeiros con parche de piel de animal (mas liviano y de sonido mas dulce), y de parche sintético con sonido mas agudo. ESCUCHA COMO SUENA
tienen forma de tonel abierto por el fondo, se tocan en grupos de dos a tres tambores, tocando la piel en el centro o junto al acero bien con la palma de las manos o con los dedos, se obtienen alturas y coloridos sonoros distintos
Es un tabor de fricción procedente de Brasil. En el centro de la piel del tambor se fija una baqueta que penetra en el armazón. El sonido se obtiene frotando la baqueta, Ocupa un papel muy importante en la música tradicional brasileña.
También acompañan al carnaval otros instrumentos de percusión como los crótalos, pitos, carracas….
